Robert Moskowitz, um pintor que usou o horizonte da cidade de Nova York para definir uma posição única na fronteira entre abstração e representação, morreu no domingo em Manhattan. Ele tinha 88 anos.
Seu filho, Erik Moskowitz, disse que a causa da morte, em um hospital, foram complicações da doença de Parkinson.
Moskowitz chamou a atenção pela primeira vez com pinturas semelhantes a colagens, nas quais colava persianas em telas pintadas em vários tons de branco sujo. Algumas dessas obras, que evocam Rauschenbergs despojados, foram exibidas na mostra de 1961 do Museu de Arte Moderna “The Art of Assemblage”. Mais tarde, ele fez uma série de colagens semelhantes com envelopes.
De meados da década de 1960 até a década de 1970, depois de um interlúdio pintando interiores surreais, Moskowitz optou por vistas de cantos vazios, que novamente flertavam com os limites da legibilidade – geralmente eram de uma só cor, às vezes até preto sobre preto.
Ele também experimentou formas facilmente reconhecíveis, mas de status ambíguo, como um rosto sorridente ou uma suástica branca sobre fundo preto; fez uma versão pastel do minimalista “Red Mill” de Piet Mondrian, bem como uma versão em tinta a óleo em preto; riffs de Rodin, Giacometti e um afresco de 2.500 anos conhecido como “Tumba do Mergulhador” em Paestum, Itália; e pintou uma vista peculiar do Wrigley Building, em Chicago, inspirada em uma caixa de fósforos de souvenir, na qual as duas torres brancas do prédio parecem cair no espaço.
Mesmo em seu conceito mais elevado ou severo, porém, as pinturas de Moskowitz sempre foram mais expressivas do que ele deixava transparecer. Por mais plano e infinito que um determinado campo de marrom ou amarelo possa ser, as obras sempre foram construídas com pinceladas vibrantes e uma espécie de alegria silenciosa, em desacordo com sua estética austera. A galeria de Moskowitz, Peter Freeman, Inc., que tinha apenas começado a representá-lo e abriu sua primeira exposição com ele pouco antes de sua morte, chamou-o, em um comunicado, de “uma rara ponte entre o Expressionismo Abstrato e o Minimalismo”.
No final da década de 1970, Moskowitz começou a pintar o Empire State Building, o Flatiron Building e, de forma mais indelével, o World Trade Center. Esses três edifícios aparecem repetidamente ao longo das décadas, em preto sobre azul, lilás, laranja, amarelo ou branco; em branco sobre preto; cercado por impressões digitais borradas ou nuvens de fumaça; nu em campos coloridos; renderizado em óleo, tinta, grafite ou pastel.
Todos eles tinham a qualidade cintilante e independente das letras ou dos números. Mas era impossível não reconhecer a distinta torre com ameias do Empire State, ao mesmo tempo ornamento e monumento. Duas pequenas saliências nas cornijas tornavam a forma simples do Flatiron igualmente inconfundível, ao mesmo tempo que acrescentavam uma incerteza desorientadora à sua escala.
Foi nas imponentes listras modernistas das Torres Gêmeas que Moskowitz encontrou seu grande tema. Seja aparecendo como duas barras pretas amontoadas no canto de uma modesta folha de papel de desenho ou erguendo-se como ousados traços vermelhos de 3 metros de altura, as torres pareciam transcender as distinções habituais entre gêneros de arte, mesmo entre gêneros de criação de marcas. (Vale a pena notar que entre os desenhos chamados “Flatiron” ou “Empire State”, as peças das Torres Gêmeas são invariavelmente chamadas apenas de “Arranha-céu”.) As torres eram uma referência arquitetônica específica que não parecia nada específica, um padrão abstrato contundente. com a mais sutil das concessões à perspectiva, um dispositivo gráfico tenso que chama a atenção como um logotipo – um logotipo para nada além de si mesmo.
Após os ataques de 11 de setembro de 2001, essas obras adquiriram uma ressonância mais sombria, e Moskowitz, cujo loft em TriBeCa ficava a apenas alguns quarteirões das torres, lamentavelmente passou para outros temas.
“Agora as imagens parecem insuportavelmente sombrias”, disse ele ao The San Antonio Express-News em 2007, quando mostrou algumas de suas pinturas na área de San Antonio. Mas, acrescentou, “sempre ficava feliz quando os pintava”.
Robert Stephen Moskowitz nasceu em 20 de junho de 1935, no Brooklyn, filho de Louis Moskowitz, dono de duas lavanderias, e Lily (Sandman) Moskowitz, que administrava a casa. Seu pai deixou a família em 1948. Sua mãe também desaparecia periodicamente, deixando Robert para cuidar de sua irmã mais nova. Ele se lembrou da constante insegurança financeira e, desde o ensino médio, de ter vários empregos, tanto de meio período quanto de período integral, para sobreviver, como trabalhar em um balcão de refrigerantes Woolworth’s e vender meias.
Ele nunca pensou em fazer faculdade, mas sua irmã mais velha trabalhava em uma empresa de engenharia e ele sempre gostou de desenhar, então frequentou o Instituto de Mecânica de Manhattan para aprender a ser desenhista. Em 1954, ele conseguiu um emprego na Sperry Gyroscope em Lake Success, NY, antiga sede das Nações Unidas, em Long Island. Sperry pagou para que ele estudasse design gráfico no Pratt Institute, onde aulas com os artistas Robert Richenburg e Adolph Gottlieb mudaram o rumo de sua vida. Logo ele estava visitando museus, alugando um estúdio e largando o emprego.
Em 1959, o Sr. Moskowitz viajou para Londres, com a intenção de continuar para Paris e ficar lá até que seu dinheiro acabasse. Em vez disso, ele encontrou um estúdio em uma comunidade decrépita de artistas ao norte de Londres. Lá, ele começou a fazer colagens. Um dia, como contou o curador Ned Rifkin em um ensaio para o catálogo, Moskowitz notou uma persiana com “muito caráter e história”. Ele colou em uma tela e pintou por cima.
Depois de retornar a Nova York, conheceu e se casou com a pintora Hermine Ford, cujo pai, o pintor Jack Tworkov, tornou-se amigo e apoiador. Em meados da década de 1970, Moskowitz e Sra. Ford começaram a viajar para a Nova Escócia, onde se juntaram a uma comunidade de artistas que incluía Joan Jonas, Philip Glass, Richard Serra e Robert Frank. Eles acabaram comprando uma casa e dividiram seu tempo entre as ilhas de Cape Breton e Manhattan.
Em 1962, logo após a exposição do MoMA, Moskowitz teve uma exposição individual com ingressos esgotados com o influente negociante Leo Castelli – mas Castelli não gostou da direção que o trabalho de Moskowitz estava tomando, e eles se separaram logo depois. .
Moskowitz recebeu bolsas da Fundação Guggenheim e do National Endowment for the Arts e expôs em bienais e em vários museus, incluindo o Whitney em Nova York, que o incluiu em sua influente mostra de 1978 “New Image Painting”, e no Museu Hirshhorn. e Sculpture Garden, em Washington, que montou uma retrospectiva em 1989 que viajou para o MoMA.
Além de seu filho, Erik, um artista e cineasta que colabora com sua esposa, Amanda Trager, o Sr. Moskowitz deixa sua esposa, a Sra. e suas irmãs, Elaine e Karen Moskowitz.
Durante longos períodos em que a pintura não rendeu dinheiro, Moskowitz lecionou no Maryland Institute College of Art, em Baltimore, e na Yale Norfolk School of Art, no condado de Litchfield, Connecticut; auxiliou o fotógrafo Walker Evans, amigo do Sr. Tworkov; telas esticadas para outros artistas; e assumiu outros biscates.
Para Moskowitz, a única linha consistente, em uma carreira de mudanças estilísticas drásticas e altos e baixos extraordinariamente dramáticos, foi sua devoção à sua arte.
“Tudo o que ele fez foi pintar”, disse o escultor John Newman, um amigo de longa data, em entrevista por telefone. “Era tudo o que ele queria fazer. E quando não conseguia pintar, ele dirigia um táxi para poder pintar um pouco mais.”
THE NAIS IS OFFICIAL EDITOR ON NAIS NEWS