O teatro americano está à beira do colapso.
Aqui está apenas uma amostra dos terríveis desenvolvimentos recentes: o Public Theatre anunciou este ano que o festival Under the Radar, o mais empolgante dos incubadores de performance experimental de Nova York, seria adiado indefinidamente e mais tarde anunciou que estava demitindo 19% de sua equipe. O Humana Festival of New American Plays, uma plataforma de lançamento vital para grandes dramaturgos como Lynn Nottage e Will Eno nas últimas quatro décadas, foi cancelado este ano.
Nesta temporada, o Williamstown Theatre Festival, um dos nossos festivais de verão mais importantes, consistirá em apenas uma obra totalmente produzida, juntamente com uma oferta anêmica de leituras encenadas. O Signature Theatre, cujos dramaturgos residentes incluem Edward Albee, August Wilson, Tony Kushner e Annie Baker, está atrasando o início de sua temporada e, mesmo assim, produzirá apenas três novas peças, em vez das seis habituais.
O Oregon Shakespeare Festival, um dos teatros regionais mais antigos e célebres do país, anunciou recentemente uma segunda rodada de arrecadação de fundos de emergência para permanecer operacional. The Lookingglass, uma importante âncora da cena teatral de Chicago, está interrompendo a produção neste ano. A Brooklyn Academy of Music demitiu 13% de sua equipe. O BAM’s Next Wave Festival, que ajudou a catapultar gerações de artistas com visão de futuro, apresentou 31 shows em 2017. Este ano, ele apresentará sete.
O teatro sempre foi um empreendimento arriscado. “The Dangling Conversation” de Simon e Garfunkel perguntou “O teatro está realmente morto?” em 1966. A situação atual, no entanto, corre o risco de levar a uma crise sem precedentes: o fechamento de teatros em todo o país e um encolhimento permanente das possibilidades do palco americano. Para aqueles de nós em Nova York, pode ser fácil olhar para o retorno da Broadway aos números de público pré-Covid e pensar que isso sinaliza algo como normal. Mas a Broadway em sua forma atual depende de teatros sem fins lucrativos para desenvolver material e apoiar artistas. Os cinemas sem fins lucrativos são onde muitos sucessos recentes – incluindo “A Strange Loop” e “Hamilton”, ambos vencedores do Prêmio Pulitzer – começaram.
Então, como podemos evitar essa catástrofe? Assim como em outras áreas da vida americana recente, onde indústrias inteiras estavam em perigo – bancos, indústria automobilística – esta crise requer intervenção federal.
É isso mesmo: o teatro americano sem fins lucrativos precisa de um resgate.
Os teatros regionais e sem fins lucrativos estavam com problemas bem antes de 2020 e da força maior da pandemia. A maioria dos teatros regionais e sem fins lucrativos foi construída com base em um modelo de assinatura, no qual os clientes fiéis pagavam antecipadamente por uma temporada completa de ingressos. Subsídios da fundação, doações e vendas de ingressos únicos compunham o saldo dos orçamentos.
Durante grande parte do século 20, esse modelo funcionou. Retinha dinheiro e público, mitigava o risco de shows novos ou experimentais e cultivava uma base dedicada de entusiastas. Mas esse modelo tem murchado durante todo o século 21. O número de assinantes está caindo e nada surgiu para substituir essa receita ou esse público. Não surpreendentemente, os preços dos ingressos ficaram mais altos, tornando mais difícil encontrar novos públicos.
Essa crise latente foi agravada pela pandemia, um evento ruinoso que fechou teatros, quebrou o hábito do público de ir ao teatro e levou a um aumento calamitoso de custos no momento em que menos podem ser absorvidos. Um colapso no setor sem fins lucrativos não significa apenas menos teatros e menos shows em todo o país; também significa um trabalho menos ambicioso, menos riscos assumidos e elencos menores. As reverberações serão sentidas de cima a baixo na cadeia teatral, e uma nova geração de talentos será negligenciada. Assim como ocorre com o colapso de um banco, no qual algumas poucas instituições podem derrubar todo um sistema, todo o ecossistema do teatro americano está em perigo. E o teatro americano é importante demais para fracassar.
É por isso que a intervenção federal é necessária. Pode parecer uma sugestão radical, mas na verdade nem é novidade. O Federal Theatre Project, que funcionou de 1935 a 1939, fazia parte do esforço do New Deal para financiar empreendimentos artísticos. O projeto provocou uma explosão na atividade teatral e inspirou uma geração de criadores de teatro – incluindo Arthur Miller, Elia Kazan e Orson Welles – e, por meio de seu Projeto de Teatro Negro, forneceu apoio direcionado a artistas de teatro negros em todo o país.
De meados da década de 1930 a meados da década de 1960, artistas de teatro fundaram empresas pioneiras sem fins lucrativos em Oregon (Oregon Shakespeare Festival); Dallas (Teatro ’47); Houston (Teatro do Beco); Washington, DC (Palco Arena); Los Angeles (Fórum Mark Taper); Connecticut (Long Wharf); Kentucky (Teatro de Atores de Louisville); São Francisco (Teatro do Conservatório Americano); e New York City (New York Shakespeare Festival, que se tornou o público).
Assim que os teatros estavam funcionando, as fundações de caridade intervieram para ajudar. A Fundação Ford, por exemplo, concedeu subsídios aos cinemas a partir da década de 1950. Em 1966, o National Council on the Arts anunciou que “o desenvolvimento de um público maior e mais apreciativo para o teatro” deveria ser um dos principais objetivos do recém-formado National Endowment for the Arts. A combinação de financiamento dos setores público e privado que se seguiu teve um efeito milagroso. Em 2005, havia mais de 1.200 teatros sem fins lucrativos nos Estados Unidos, realizando 13.000 produções por ano e contribuindo com mais de US$ 1,4 bilhão para a economia americana, de acordo com o Theatre Communications Group.
Agora esse sistema – que levou décadas para ser nutrido, tornou possível nossa cultura teatral nacional e garantiu nosso lugar no cenário mundial – está desmoronando. Somente o governo federal pode fornecer o escopo de apoio necessário para estabilizá-lo. Um primeiro passo fácil e imediato seria aprovar a Lei de Revitalização da Economia Criativa e a Lei de Promoção das Artes Locais e da Força de Trabalho da Economia Criativa, dois projetos de lei que estão parados no Congresso desde 2021 e 2022. Esses projetos de lei enviariam imediatamente milhões de dólares para artistas locais e instituições artísticas de todo o país.
Mas um passo ainda mais importante – e formidável – seria aumentar muito o orçamento do National Endowment for the Arts. Ele realizou coisas surpreendentes ao longo de seus quase 60 anos de história, ajudando a semear e sustentar orquestras, teatros, museus e organizações artísticas comunitárias em todo o país. A NEA trouxe a arte para fora dos locais tradicionais, como casas de espetáculos e galerias, para escolas e bases militares. Mas nunca foi adequadamente financiado e, desde a década de 1980, tornou-se ridiculamente uma piñata popular para políticos conservadores que buscam obter pontos fáceis.
No contexto do orçamento federal, os fundos necessários para um resgate teatral são trocados: para o ano fiscal de 2024, o governo Biden solicitou US $ 211 milhões para o NEA, ou cerca de 63 centavos para cada pessoa que mora nos Estados Unidos. Por outro lado, o Arts Council England planeja distribuir cerca de US$ 10 para cada pessoa na Inglaterra. O NEA também deve ser novamente celebrado como um órgão nacional essencial para manter viva a vida cultural do país.
Depois de uma série de ataques à doação liderada pelo senador republicano Jesse Helms e figuras cristãs como Jerry Falwell nas décadas de 1980 e 1990, o Congresso mudou as regras da NEA para que não pudesse mais conceder bolsas a artistas individuais, exceto no campo. da literatura e não pode financiar as despesas operacionais gerais das organizações artísticas. Essas regras – os resultados desatualizados da guerra cultural de uma geração anterior – devem ser revogadas.
Em setembro de 1965, o presidente Lyndon Johnson sancionou a Lei da Fundação Nacional para as Artes e Humanidades, que criou a NEA. “Uma civilização avançada não deve limitar seus esforços apenas à ciência e à tecnologia”, declarou o Congresso. “A democracia exige sabedoria e visão de seus cidadãos. Deve, portanto, promover e apoiar uma forma de educação e acesso às artes e às humanidades, projetada para tornar as pessoas de todas as origens e onde quer que estejam, mestres de sua tecnologia e não seus servos irracionais”.
Essas palavras soam ainda mais verdadeiras hoje. As artes alimentam o espírito humano, refletem a condição humana para nós e, no seu melhor, nos permitem momentos em que podemos transcender as limitações de nossos próprios pontos de vista e ver o mundo de maneira nova. O governo há muito reconhece que o mercado não é suficiente para sustentar este projeto. De fato, às vezes o foco incansável no valor para o acionista e nos balanços corporativos coloca o mercado e a arte americana em desacordo.
Se os teatros sem fins lucrativos quiserem sobreviver e cumprir seu propósito nacional, será necessário muito mais do que cortes de custos, demissões e campanhas emergenciais de arrecadação de fundos. A ajuda do governo é necessária e essencial, assim como o reconhecimento renovado de nossa nação de que as artes são vitais tanto para a sobrevivência da democracia quanto para a expansão do espírito humano.
Isaac Butler é crítico cultural e autor de “The Method: How the 20th Century Learned to Act” e autor de “The World Only Spins Forward”, uma história oral de “Angels in America”.
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