Lucas Samaras, artista que era sua própria tela, morre aos 87 anos

Lucas Samaras, que cantou a canção de si mesmo mais alto e em mais tonalidades do que talvez qualquer outro artista visual do pós-guerra, criando um corpo de trabalho extremamente diversificado em que seu próprio corpo ágil, rosto barbudo e objetos pessoais ocuparam o centro do palco em inúmeras formas que mudam de forma , morreu na quinta-feira em sua casa em Manhattan. Ele tinha 87 anos.

Sua morte, por complicações de uma queda, foi anunciada por Arne Glimcher, fundador da Pace Gallery, que representou Samaras por mais de cinco décadas.

Surgindo no final da década de 1950 em meio a uma geração de artistas, entre eles Claes Oldenburg, Allan Kaprow e Carolee Schneemann, que impulsionaram o mundo da arte americana em novas direções ousadas após as restrições do Expressionismo Abstrato, o Sr. era um curinga mesmo dentro de uma multidão agitada.

Pastéis borrados semelhantes a desenhos animados coexistiam com trabalhos em gesso bruto e caixas de joias elaboradamente enfeitadas com lã, vidro, alfinetes, facas e, às vezes, pássaros taxidermizados – objetos animistas que não lembravam nada do que foi feito na década de 1960.

Em 1964, depois de ter que se mudar da casa de sua infância em West New York, NJ, aos 28 anos, ele recriou meticulosamente seu desordenado estúdio como uma obra de arte. Encenada dentro da Green Gallery, no centro de Manhattan, a sala era uma exibição comovente de lugar e perda na forma de arte conceitual inexpressiva.

“É o meu passado, completo – um pedaço de biografia – a coisa mais real que eu poderia fazer”, disse Samaras a um repórter do The New York Times, que observou que o quarto, ao preço de US$ 17 mil, “não tinha petiscos” de colecionadores. durante a exposição. (A maior parte da mobília foi posteriormente para o Exército da Salvação e o restante para o novo apartamento do Sr. Samaras.)

A partir de então, o olhar interior do Sr. Samaras buscou apenas horizontes mais distantes. Numa série de “autoentrevistas” que realizou no início dos anos 1970, ele se perguntou qual já era a pergunta mais pertinente sobre seu trabalho: Por que você está tão interessado em si mesmo? Ele respondeu: “Eu uso a mim mesmo e, portanto, não tenho que passar por todos os tipos de relações estranhas, como encontrar modelos e fingir distância artística ou encontrar trabalhadores ou encontrar algum símbolo de geometria. Eu uso a mim mesmo também porque ainda é pouco ortodoxo usar a si mesmo.”

Ele se pressionou: você chama isso de narcisismo? Ao que ele respondeu: “Chame como quiser. Eu faço as coisas.”

Lucas Samaras (seu sobrenome significa “fabricante de selas” em grego) nasceu em 14 de setembro de 1936, em Kastoria, na região da Macedônia Ocidental, na Grécia, e cresceu em meio à devastação da Segunda Guerra Mundial e da guerra civil grega. Quando ele era criança, a casa de sua família foi fortemente danificada por fogo de artilharia, que matou sua avó.

Seu pai, Damianos, peleteiro, saiu por vários anos para trabalhar em Nova York. Sr. Samaras se tornou muito próximo de sua mãe, Trigona, e de duas tias que eram costureiras e lhe permitiam recortar moldes em papel. Em 1948, toda a família emigrou para os Estados Unidos, estabelecendo-se em Nova Jersey.

Na adolescência, Samaras trabalhou brevemente para seu pai no comércio de peles. Essa experiência moldou um sentimento intenso pelos materiais, em parte através do ódio pelas peles que o trabalho gerou.

“A pele é uma coisa macia, fedorenta, suada e flexível”, disse ele certa vez. “E então acabo usando alfinetes: uma substância dura, brilhante e afiada.”

Em 1955, ele ganhou uma bolsa de estudos para a Universidade Rutgers, que estava se tornando um cadinho da vanguarda americana sob as cátedras de Kaprow, Robert Watts, Geoffrey Hendricks e mais tarde Roy Lichtenstein.

Juntamente com estudantes e amigos como Robert Whitman, George Brecht e George Segal, ajudou a semear as sementes da arte conceptual, da Pop Art e do que viria a ser conhecido como arte performativa, baseada numa filosofia de demolição de barreiras artificiais entre a arte e a vida quotidiana.

Na Reuben Gallery, no East Village, administrada por artistas, Samaras foi o ator principal em “18 Happenings in 6 Parts” de Kaprow, um evento marcante de 1959 que empregou o acaso, o absurdo, materiais baratos e ações mundanas de maneiras que reaproveitaram Dada do início do século 20 para a era da Guerra Fria.

Samaras, que nessa época estudava atuação no Conservatório Stella Adler, também participou de apresentações artísticas pioneiras de Whitman e Oldenburg, que disseram que Samaras ajudou a definir os termos da nova forma.

“Quando comecei a fazer essas apresentações, não tinha muita clareza sobre o que queria que fossem”, disse Oldenburg certa vez. “Lucas meio que os definiu para mim.”

Mas os dias teatrais de Samaras duraram pouco. Suas próprias fantasias relacionadas à performance, explicou ele, eram elaboradas demais para serem realizadas com outras pessoas, e então ele começou a canalizar esses impulsos para o trabalho escultural e a escrita. “Eu estava, de certa forma, fazendo Happenings, mas eles eram apenas para mim”, disse ele em entrevista à revista Artforum em 1966.

Durante um período de dois anos na Universidade de Columbia estudando história da arte com Meyer Schapiro, ele mergulhou de cabeça na criação de arte, muitas vezes em séries recorrentes e de longo prazo. (Suas esculturas em caixa, que se tornaram marca registrada de seu trabalho, foram numeradas a partir de 1962.)

Embora tivesse algumas afinidades com artistas como Joseph Cornell, que começou a fazer caixas de montagem com influência surrealista na década de 1930, e com os artistas Funk desordenadamente coloridos da Bay Area, Samaras navegou desafiadoramente contra as tendências e movimentos predominantes, parecendo às vezes quase como um artista estranho.

Em 1969 ele descobriu a câmera instantânea Polaroid, que se tornou uma lanterna mágica em suas mãos, abrindo caminhos de experimentação que continuaram pelo resto de sua vida.

Trabalhando nos limites modestos de um apartamento de um quarto na West 71st Street, ele criou pinturas-fotografias híbridas, muitas vezes autorretratos nus sobrepostos com pontos e redemoinhos. Ele também aproveitou uma peculiaridade de fabricação que deixou algumas impressões Polaroid vulneráveis ​​à manipulação temporária sob sua camada protetora Mylar, aproveitando a oportunidade para moldar cenas fantasmagóricas que ele chamou de “Fototransformações”, nas quais seu corpo ou partes dele apareciam em meio a turbilhões de cores e formas rodopiantes.

Escrevendo sobre essas imagens no livro “Lucas Samaras: Objects and Subjects, 1969-1986”, de 1988, o historiador e crítico de arte Thomas McEvilley observou que o Sr. aparição, tanto oferecendo sua nudez quanto rosnando para aqueles que quisessem se aproximar dela.”

O próprio Samaras disse que sempre buscou uma qualidade de “seduzir-repelir”, apresentando aos espectadores escolhas duras e temendo nada mais do que a ambivalência. No final da década de 1980, depois do que chamou de “uma espécie de epifania pseudotransformadora”, ele estreitou radicalmente o que já era um círculo social estreito em torno de si.

Reduzindo o contato com amigos e parentes, ele se tornou quase um recluso em um novo apartamento e estúdio no 62º andar de um arranha-céu da década de 1980 no centro de Manhattan, onde morava sozinho, costumava manter as cortinas fechadas e comia a mesma refeição, sopa , quase todos os dias.

“Você não pode viver em constante estado de êxtase”, explicou ele sobre sua decisão. “Você precisa de tantos quilos de dor, tantos quilos de decepção, tantos quilos de insatisfação e assim por diante.”

Mas apesar deste enclausuramento, o seu trabalho permaneceu altamente visível no mundo da arte, que admirava o Sr. Samaras, embora nunca parecesse saber o que fazer com ele. Recebeu diversas retrospectivas ao longo dos anos focando diversos aspectos de sua obra, cujos exemplos residem nas principais coleções públicas ao redor do mundo.

Ele deixa sua irmã, Carol Samaras.

Em 2009, ele representou sua Grécia natal na Bienal de Veneza, exibindo uma peça, “Ecdysiast” (eufemismo grandioso e de influência grega de HL Mencken para um artista de strip-tease), na qual registrou as reações de amigos e colegas enquanto assistiam a um filme distorcido. vídeo dele, aos 73 anos, se despindo.

Nas primeiras auto-entrevistas e escritos, o Sr. Samaras voltou frequentemente à questão de como o seu isolamento reflexivo e solipsismo poderiam funcionar ao lado do seu exibicionismo igualmente instintivo e extroversão visual.

“Eu era meu próprio Peeping Tom”, escreveu ele. “Por causa da ausência de pessoas eu poderia fazer qualquer coisa.” Ele acrescentou: “Eu me formulei, acasalei comigo mesmo e dei à luz a mim mesmo. E meu verdadeiro eu era o produto” – a arte.