Estilo africano: com a liberdade veio o talento da moda

Muitos anos atrás, trabalhei como vendedor na Hugo Boss no Beverly Center em Los Angeles. Eu vendia a variedade de coisas que a loja vendia: malas, acessórios, roupas íntimas, roupas. Mas o que eu mais gostava de vender eram os ternos masculinos, porque um bom terno costuma ser transformador. Um homem entrava na loja parecendo esquecível e, depois de vestir um terno azul-marinho bem cortado, de dois botões e lapela, parecia realizado, adepto. Entrando na nova exposição “Africa Fashion” no Brooklyn Museum, senti que estava testemunhando algo maravilhoso, algo mais surpreendente do que apenas o restyling de um indivíduo. Fui transportado para a época histórica em que quase todo o continente estava abandonando seu domínio colonialista e o traje associado e entrando no cenário mundial transformado.

Marcando essa mudança total desde o início, há uma parede com uma linha do tempo de texto e fotografia documental que detalha os momentos consequentes das lutas de libertação da África no século XX. Monitores de vídeo oferecem filmagens de cerimônias importantes, como a formação da República de Gana em 1957. Em uma parede adjacente estão as bandeiras de todos os 54 países da África, suas insígnias e heráldica explicadas. A exposição parece intencionalmente baseada na história dos movimentos de independência; Christine Checinska, a curadora que liderou a equipa que organizou a exposição original no Victoria and Albert Museum, em Londres, afirmou-o, dizendo que para ela era crucial que os espectadores percebessem que o vestuário tem “uma dimensão política”.

No catálogo da exposição, Checinska escreve que a Tunísia e o Marrocos se libertaram do controle da França em 1956 e, um ano depois, Gana se libertou da Grã-Bretanha. Então, em 1960, 17 países africanos se livraram do domínio colonial, para incorporar aquela época no registro histórico como o “Ano da África”. “A reordenação social e política radical que ocorreu provocou um renascimento cultural em todo o continente”, escreve Checinska. “A moda, a música e as artes visuais se basearam em tradições anteriormente marginalizadas, criando formas inovadoras que visavam o futuro autogoverno.”

Acho que deve ser reconhecido que o autogoverno nem sempre produziu uma liderança política astuta, ou políticas que beneficiaram a maioria dos cidadãos, mas alguns países antes prejudicados pelo domínio colonial aprenderam a se manter por conta própria.

Este renascimento e ressurgimento de práticas e formas culturais nativas dos africanos nativos assume um papel ampliado na versão do Brooklyn de “Africa Fashion”, de acordo com seus organizadores Ernestine White-Mifetu, curadora de arte africana do museu, e Annissa Malvoisin, um pós-doutorado aqui. Ele agora inclui 300 objetos – dos quais cerca de 130 são roupas, tecidos e joias, e mais de 50 obras das coleções do museu. Os curadores desta mostra adicionaram mais imagens documentais dos quatro grandes festivais do continente nas décadas de 60 e 70: o Primeiro Festival Mundial de Artes Negras (FESMAN) em Dakar em 1966; Zaire 74 em Kinshasa, 1974; o Festival Cultural Pan-Africano na Argélia (PANAF) em 1969; e o segundo Festival Mundial de Artes Negras e Africanas (FESTAC) em 1977 em Lagos.

Aqui também está uma biblioteca improvisada com livros clássicos que examinam essa história e seu legado. Havia fotos emolduradas e do tamanho de um mural das atividades do FESTAC de Marilyn Nance, autora de “Last Day in Lagos”, que por acaso estava visitando quando entrei. um terno branco brilhante com calças boca de sino, em total contraste com mulheres em vestidos elaborados de tecido Kente e homens em trajes tribais que incluem faixas decorativas nas pernas. Nance, uma nativa do Brooklyn, me disse que cerca de 200 negros americanos de Nova York, incluindo ela, viajaram para Lagos, sabendo que seria um evento extremamente importante.

Pude ouvir uma das outras maneiras pelas quais essa iteração difere do programa V & A. A música me seguia enquanto eu ia de galeria em galeria. Malvoisin explicou que eles escolheram cuidadosamente uma lista de reprodução – acessível por meio de um código QR – que ecoa as músicas quentes de cada época representada no espaço da galeria: Chaabi, Arab Pop, Hip-Hop, Afrobeat, Highlife, Jazz, Kora e outros gêneros. (Apenas uma pequena seleção é ouvida no show, então use o link.) Há um tema de exuberância que permeia a música que combina com as roupas e acessórios em exibição.

É preciso dizer: esta mostra é primorosamente bela, com tecidos, acessórios e roupas surpreendentes e curiosas. Dificilmente uma polegada deste show é esperada ou clichê. A lição de história continua nas exibições de roupas com vitrines com imagens dos principais designers de meados do século: Kofi Ansah de Gana, Chris Seydou do Mali e Shade Thomas-Fahm da Nigéria. (Thomas-Fahm tem um manto dourado espetacular acentuado com quadrados pretos e chevrons amarelo-escuros. Ninguém que o use pode cuidar de seus negócios sem aviso prévio.)

Além dessas exibições, há um monitor que oferece desfiles atuais, onde o espírito inovador daquela época e lugar na África brilha, mesmo em coleções aparentemente baseadas em fontes européias. São muitos designers para relatar aqui todo o trabalho surpreendente, mas vale a pena mencionar o designer queniano Ami Doshi Shah, na seção Adornos, que criou uma gargantilha de metal verde e dourado com uma longa cauda de couro ou tecido que cai no costas do usuário, em sua coleção Salt of the Earth.

Em uma vitrine próxima, a Inzuki, uma marca jovem de Ruanda, apresenta um colar de gola trançada composto por faixas entrelaçadas de água-marinha, laranja escuro, rosa choque e muito mais, claramente desenhadas a partir do design tradicional da cesta. Aqui, o cotidiano é reaproveitado como extravagante. Esta seção é complementada por itens da coleção do Museu do Brooklyn, incluindo anéis de ouro das dinastias faraônicas e miçangas do início do século 20 do sul da África.

O show não fetichiza, mas também não evita falar sobre processo. Há um conjunto de manequins mostrando três estágios de um vestido, desde o padrão de papel cortado até a maquete do toile e a peça finalizada, de Katungulu Mwendwa, cuja linha Katush é projetada em seu estúdio caseiro em Nairóbi, no Quênia. Artsi Ifrah, que no ano passado ganhou o prêmio Fashion Trust Arabia para roupas de noite e mora no Marrocos, faz roupas suntuosas que têm tudo a ver com camadas, padrões, drapeados e materiais maximalistas. O estilista sul-africano Lukhanyo Mdingi faz jaquetas e corredores combinando para pessoas de gênero indeterminado em mohair feltrado, lã e acrílico, com lenços que funcionam como xales corporais.

Misturada com design luxuoso está a fotografia de rua de artistas como Sarah Waiswa, Trevor Stuurman e Stephen Tayo, que mostram o que as pessoas na rua estão vestindo e como suas roupas não são menos imaginativas e ousadas do que a moda com mais recursos aqui. Há fotografia de estúdio de artistas da prestidigitação, como os malienses Seydou Keïta e Malick Sidibé. Como teria sido embarcar em uma carreira documentando essa beleza exploratória e arrivista no início de um país totalmente novo? Deve ter sido emocionante. E tudo isso me cumprimentou antes mesmo de chegar ao grande salão rotunda que encerra o show.

Nesta galeria, cerca de 40 manequins são equipados com uma fascinante variedade de trabalhos de designers contemporâneos da diáspora, como Eilaf Osman, Papa Oppong, Brother Vellies e seu fundador Aurora James, Christopher John Rogers e Studio One Eighty Nine na seção que significa mostrar como a África tem uma pegada global. De acordo com Marisa Guthrie, escrevendo para o Women’s Wear Daily: “As contribuições dos designers africanos já são óbvias na indústria da moda, mas a exposição é sem dúvida o primeiro reconhecimento abrangente desse legado”.

O desfile é, nas palavras de Checinska, do V&A, “inspirado no teatro da moda com seu potencial narrativo: a elaboração e performance de identidades por meio de adereços”. Esse potencial é o que me atraiu para a moda, a ideia de que eu poderia me apresentar de uma forma distinta, que eu poderia incorporar uma elegância que antes me escapava. Mas com esta exposição as apostas são muito maiores do que uma mera representação da identidade individual. O que une os talentos da moda representados no Brooklyn (e em Londres) é uma clara necessidade de exercer uma agência política e estética que andam de mãos dadas.

A agência não significa quase nada, a menos que seja expressa. Ter arbítrio é agir no mundo de acordo com as próprias capacidades imaginativas e intelectuais. Eu nunca tive isso trabalhando como vendedor para a marca de outra pessoa, a noção de design apropriado de outra pessoa.

No final do show, pensando nisso, voltei para ver mais de perto as fotos de Waiswa de pessoas na rua participando de um “brechó social”, onde roupas e música são trocadas. Em um retrato, uma mulher tem o cabelo preso em duas tranças enroladas e usa um top bandeau feito de dois cintos de couro presos. Em seu diafragma há um cinto laranja fino preso com uma fivela de pantera dourada. Em uma foto ao lado, três jovens usam uma mistura eclética de padrões e joias com contas. Um usa macacão listrado de vermelho e branco; outro combina calças com flores de umber com uma jaqueta vermelha. O terceiro combinou listras horizontais com listras verticais. Quando eu trabalhava no varejo de moda, nunca me ocorreu que eu poderia ser tão ousada, essa individualidade no meu estilo pessoal.

Esse espírito de inovação laboriosa usando o que está à mão, e o otimismo implacável sobre o que o futuro pode trazer, são evidentes em toda a exposição. O que a “Africa Fashion” entende profundamente é que sempre foi importante não só estar bem vestido, mas poder vestir-se bem.

moda africana

Até 22 de outubro no Brooklyn Museum, 200 Eastern Parkway, Brooklyn, Nova York; brooklynmuseum.org.