Dentro da Esfera Sônica do Shed

“Uau,” um homem perto de mim disse quando as cortinas se abriram.

Ele, eu e mais algumas centenas de pessoas estávamos esperando em uma grande sala no Shed, o centro de artes em Hudson Yards, em Manhattan. Uma música de fundo tonta e portentosa tocava, como se um encontro alienígena fosse iminente.

Então as cortinas se abriram e uma sala muito maior foi revelada: o vasto espaço McCourt do Shed, no qual uma esfera de 20 metros de diâmetro e perfurada como queijo suíço havia sido suspensa no teto distante e banhada em luz vermelha.

Essa visão impressionante – na verdade, indutora de “uau” – foi a Esfera Sônica, uma realização de um projeto de sala de concertos do brilhante e incomparavelmente maluco compositor Karlheinz Stockhausen (1928-2007), que inspirou a Alemanha a construir a primeira para a década de 1970 Exposição Mundial em Osaka, Japão.

Stockhausen, um empresário da experimentação eletroacústica e de noções distantes como um quarteto de cordas tocando dentro de um helicóptero, imaginou o público de seu “Kugelauditorium” sentado em um nível permeável ao som dentro da esfera, de modo que os alto-falantes pudessem ser colocados sob, também como ao redor e mais, eles.

Durante os seis meses em que a exposição de Osaka esteve aberta, centenas de milhares de pessoas compareceram e ouviram músicas gravadas adaptadas para as possibilidades de reprodução in-the-round, bem como apresentações ao vivo. Então, durante o meio século seguinte, a ideia permaneceu adormecida; O Carnegie Hall e o Musikverein de Viena permaneceram intactos, não tendo sido substituídos por esferas gigantes.

Entram, há alguns anos, uma equipe liderada por Ed Cooke (cuja biografia o chama de “explorador multidisciplinar da consciência”), a designer de som Merijn Royaards e Nicholas Christie, diretor de engenharia do projeto.

Eles construíram Sonic Spheres na França, Grã-Bretanha, México e Estados Unidos. Cada vez, como a planta em “Little Shop of Horrors”, a engenhoca cresceu. A iteração Shed, aberta até o final de julho, é a primeira a ficar suspensa no ar, a um custo de mais de US$ 2 milhões.

Como em Osaka, algumas das apresentações oferecem música gravada; alguns, vivem. No sábado, subi os vários degraus até a entrada da esfera e me reclinei, como todo mundo, em um confortável assento tipo rede, ouvindo o sedutoramente taciturno álbum de estreia de 2009 da banda britânica the xx. Quarenta e cinco minutos depois, o pianista Igor Levit apareceu pessoalmente para apresentar, para um novo público, “Palais de Mari”, de Morton Feldman, de 1986.

Luzes, em cores e configurações que tendiam a mudar com a batida da música, brincavam na pele de tecido dessa grande bola Wiffle. Mas para um público que poderia estar assistindo aos shows em estádios de alta definição de Beyoncé ou Taylor Swift neste verão, os visuais eram borrados e rudimentares; esse foi o aspecto da apresentação que mais pareceu preso em 1970.

E a experiência de áudio que emergiu dos 124 alto-falantes foi, na melhor das hipóteses, normal. O remix xx separou muito bem o baixo, saindo de forma palpável, mas não muito forte, do fundo da esfera, das vozes ao redor e acima. Sem um final convincente, porém, e a intimidade sussurrante do álbum foi superdimensionada em uma grandeza muito mais branda.

A situação era mais angustiante para Levit. Enquanto os acordes sobressalentes e espaçosos de “Palais de Mari” foram registrados de forma mais ou menos limpa, com apenas uma leve distorção, o som era turvo para o coral de Bach que ele tocou como prelúdio; era o desafio perene de amplificar instrumentos acústicos, vezes 124. E a iluminação trêmula, uma colaboração entre Levit e o artista Rirkrit Tiravanija, dificilmente poderia ser mais incompreensível da austeridade glacial de Feldman.

Apesar de toda a sofisticação da Sonic Sphere, a programação no sábado parecia uma reforma de artistas que eram mais interessantes quando Alex Poots, o diretor artístico do Shed, os apresentava durante sua passagem pelo Park Avenue Armory, na parte alta da cidade.

Lá, em 2014, o xx fez uma celebrada residência (ao vivo) para apenas algumas dezenas de pessoas por show. Levit, no ano seguinte, tocou Bach como parte de um ornamentado exercício de concentração orquestrado por Marina Abramovic. (Ele, agora um elemento fixo dos espaços menos convencionais de Nova York, acabará pendurado de cabeça para baixo ao piano quando o Perelman Performing Arts Center for inaugurado neste outono?)

Esses shows do Armory foram mais memoráveis ​​do que qualquer set do Shed. Ambos no sábado tiveram menos de 40 minutos, mas me vi ficando impaciente bem antes do tempo acabar. Talvez o público do Burning Man, a pechincha hedonista tecno-hippie no deserto de Nevada, onde uma esfera sônica foi construída no ano passado, estivesse mais absorto, experimentando-o com drogas mais pesadas do que a Coca-Cola Zero que eu comi no jantar.

Sóbrio, nenhuma música era mais interessante, eficaz, iluminada ou esclarecedora neste espaço do que teria sido em qualquer outro lugar. Ficou claro que o ponto principal era aquela primeira revelação, quando as cortinas se abriram e os telefones de todos apareceram, prontos para postar imagens de algo grande e glamoroso nas redes sociais.

Portanto, milhões de dólares para a isca do Instagram – mas tudo bem, se seus criadores também não o divulgaram como “um instrumento ilimitado de empatia” que é “experimental, experiencial e comunitário”. Eu me senti, de fato, mais distante de meus colegas membros da platéia na Esfera Sônica, mesmo daqueles reclinados ao meu lado, do que em qualquer sala de concerto tradicional.

Nisso, a esfera faz parte da outra oferta atual do Shed: um estranho simulacro de realidade virtual de um concerto solo de piano do compositor Ryuichi Sakamoto, falecido em março.

Empatia? Experiência comunitária? Não, o espectro holográfico de Sakamoto era mais vívido e substancial do que as outras pessoas assistindo comigo, que, enquanto eu usava os óculos de realidade virtual, desvaneceu-se em um fantasma transparente.

O texto da parede na sala de espera da Sonic Sphere reconhece que a tecnologia pode nos isolar uns dos outros, mas acrescenta que não deve ser necessariamente o caso: “Precisamos que ela nos encante e nos inspire, não apenas passivamente, mas de maneiras que provocar ação”.

Mas, como acontece com tanta tecnologia ambiciosa, de cabeça vazia, nada assombrosa e deprimente, a ação provocada por esse espetáculo caro é apenas um momento passageiro de “uau”.