Chame isso de dança, teatro de marionetes ou escultura, é assustadoramente lindo

Uma marionete clássica pode ter de oito a dez cordas. O último boneco de Leah Ogawa, uma forma etérea em forma de árvore, tem mais de 600: agrupados em matagais e emaranhados, enfiados por olhais no teto e se espalhando acima de todos os cantos da sala.

String compõe a maior parte da instalação branca de 20 pés de altura no centro de quatro apresentações que Ogawa e seu co-criador John Tsung realizaram no fim de semana passado no KinoSaito, um espaço de arte sem fins lucrativos na cidade de Verplanck, NY, em Lower Hudson Valley.

Você poderia descrever o trabalho da dupla, intitulado “Divine Generations”, como uma espécie de fantoche extático e abstrato. Ou você poderia chamá-lo de uma dança realizada em meio a uma paisagem de estranhos adereços. Ou uma escultura cinética ativada do lado de fora. Ao longo do arco de 21 minutos de “Divine Generations”, um conjunto silencioso de quatro pessoas puxa e desenrola vários cabos ao redor da sala, para persuadir elementos inertes em forma de disco em uma dança ascendente acordada. Formas escultóricas minimalistas são enviadas tremulando e balançando no alto, mantendo o ritmo de uma trilha sonora ao vivo de Tsung que combina tudo, desde trechos de japonês falado a samples de ruídos de rua da cidade e batidas orquestrais ao estilo de John Adams.

Ogawa, que cresceu no Japão, estudou uma forma de teatro de marionetes conhecido como kuruma ningyō, que pode ser traduzido como “carrinho de marionetes”. Praticantes de kuruma ningyō rolam pelo palco sentados em pequenos carrinhos de três rodas que liberam todo o corpo dos artistas – até mesmo os dedos dos pés – para controlar seus fantoches.

Mas as tradições japonesas de marionetes dificilmente são a única fonte de inspiração de Ogawa. Uma sensibilidade experimental do centro de Nova York assombra seu trabalho recente, e o espírito da arte Fluxus parece muito vivo na franqueza reduzida do gesto que ela favorece. Em uma entrevista, Ogawa também creditou o marionetista Hanne Tierney como uma influência chave. O fundador da galeria e espaço de performance FiveMyles, com sede no Brooklyn, Tierney é um entusiasta defensor da prática de Ogawa, no ano passado hospedando o emergente marionetista no FiveMyles como um artista residente. Lá, Ogawa desenvolveu um trabalho que consiste em um pedaço de folhagem de pampa, conectado por um barbante a uma grade acima.

Nessa peça, o boneco de Ogawa era essencialmente um campo de grama. Desta vez, é uma árvore. A peça – que foi desenvolvida com o apoio de KinoSaito e La MaMa Experimental Theatre Club, e também já foi encenada no FiveMyles e na Governors Island – chama seu nome, “Divine Generations”, de uma árvore de cerejeira no Japão disse a ter 2.000 anos. A árvore fica ao lado de um templo dedicado ao ramo do budismo Mahayana abraçado por um reverenciado sacerdote, cujas orações supostamente salvaram a antiga cerejeira da morte.

O budismo esteve presente na infância de Ogawa e Tsung, que além de colaboradores são casados. Referências à mitologia budista abundavam, inclusive em uma maquete do pé de Buda, do tamanho de um piano de cauda, ​​recheada de orações escritas em papel, que Ogawa e Tsung penduravam no meio da janela, não importava a chuva torrencial do fim de semana. Perto desse pé, um par de pernas de marionete suspensas, feitas de gesso e papelão recuperado, flutuava perto do chão sem vida, até que Ogawa pegou as cordas presas e demonstrou como elas poderiam ser trazidas para um passo fluido e assustador.

Ao longo da parede, Ogawa também montou 21 moldes de gesso de suas mãos. Ela projetou cada peça para permitir um eixo de movimento ligeiramente diferente, controlado por cordas que os visitantes podem puxar. Os resultados são um conjunto de gesticulações misteriosas e desencarnadas, destinadas a recriar mudras e outros movimentos de mão encontrados em orações e súplicas budistas. (A contração dessas esculturas também pode lembrar um curta-metragem de 1966 da coreógrafa Yvonne Rainer, cuja filmagem consiste inteiramente em sua mão direita se contorcendo em poses deliberadas.)

Mas as narrativas budistas também parecem estranhas ao prazer desta obra, que era muito intrigante como um compêndio de movimentos simplificados. Ogawa trabalha como modelo, um fato que a princípio hesitei em compartilhar porque coloca a aparência física em primeiro plano sobre sua arte. Mas a relação entre o trabalho diário de Ogawa e seu trabalho é muito ressonante para ser ignorada, mesmo porque o trabalho de modelagem levanta uma questão repetida também no cerne de sua prática de mistura de gêneros. Sua presença física – e a de seus artistas – deveria ser central ou invisível?

“Divine Generation” segue uma linha tênue: desde os primeiros momentos, os artistas são colocados em movimento constante e coordenado. Às vezes, esse movimento é lindo. Sempre discreto, lembrando uma equipe de bufês entrando em conjunto para limpar os pratos em uma festa de gala. Os quatro corpos humanos redirecionam a atenção do público para algum lugar mais importante. A preocupação de “Divine Generations” parece ser a destilação do movimento não-humano: como camisas de botão podem deslizar no lugar em um varal, digamos, ou como galhos de árvores muito antigos se torcem com o vento forte.

No momento, as pessoas que estão pensando mais profundamente sobre essas coisas são os animadores, aqueles que trabalham com imagens geradas por computador e desenvolvedores de mecanismos de jogos, empenhados em transformar a simulação de ondas oceânicas quebrando, campos de trigo ondulantes e pêlos de bigode trêmulos em uma simulação precisa. e ciência muito lucrativa. Mas tudo o que eles fazem é digital e tem um brilho mecanicista e pixelado. Em um momento em que todo o foco parece voltado para as telas e corpos – e corpos nas telas (veja TikTok) – me pego querendo todas as coisas lo-fi. Como é revigorante, então, passar 21 minutos no interior do estado, observando os pequenos movimentos do mundo ao nosso redor recriados com papelão e barbante comprados em uma loja de ferragens.