Como um corpo fica em pé quando o mundo gira ao seu redor? Ou, pior, quando esse mundo está desmoronando com tanta veemência que o ar parece ficar mais tóxico a cada minuto? No novo balé “Solitude” de Alexei Ratmansky, os dançarinos vacilam e cedem enquanto forças internas e externas causam estragos em seus corpos. Neste universo austero e sombrio, musicado por Gustav Mahler, os corpos vivem no limite, inclinando-se e dobrando-se precariamente enquanto lutam pelo equilíbrio. Eles estão desarticulados, suas partes do corpo estão em conflito umas com as outras. As espinhas se torcem profundamente, como se torcer o torso também pudesse desencadear a dor mais intensa.
O último balé de Ratmansky, o primeiro como artista residente no New York City Ballet, é sobre a guerra – a guerra devastadora na Ucrânia, o país onde Ratmansky cresceu e onde seus pais ainda vivem. Este mês marca dois anos desde a invasão russa e parece não haver fim à vista.
Dedicado às “crianças da Ucrânia, vítimas da guerra”, o balé, que estreou quinta-feira no Teatro David H. Koch, foi inspirado na fotografia de um pai ajoelhado ao lado do corpo de seu filho de 13 anos. filho depois de ter sido morto por um ataque aéreo russo numa paragem de autocarro em Kharkiv. O pai segurou a mão do menino por horas.
Essa dor – a solidão da “Solidão” – é evidente desde o início. O dançarino principal Joseph Gordon se ajoelha diante do corpo flácido de Theo Rochios, um jovem estudante da School of American Ballet, afiliada à companhia. Rochios, com uma camisa azul brilhante – que quase o deixa brilhar na escuridão – está deitado de costas enquanto Gordon segura sua mão.
A forma imóvel de Gordon, vestindo calças e uma blusa justa de gola alta verde-exército que lembra o presidente da Ucrânia, Volodymyr Zelensky, é marcante. Casais saltam para o palco vindos do lado oposto, explodindo como nuvens em movimento rápido. Pares de dançarinos, cada um segurando uma única mão, afastam-se até se separarem e então, com a mesma rapidez, unem-se à perna traseira de um parceiro dobrada em posição de atitude.
Ao longo de “Solitude”, os membros são mostrados em ângulos frágeis e quebrados ou às vezes até como armas. A certa altura, as mulheres são carregadas para fora do palco com os joelhos dobrados e a perna esticada levantada no ar; quando seus corpos são virados, eles são como armas apontadas para a asa. De vez em quando, os homens param para ficar em pé sobre uma perna enquanto cruzam a outra na frente e a seguram pela canela – equilibrando-se como amputados. Quando as imagens de Ratmansky são registradas na escuridão do palco, elas são arrepiantes.
Embora assustadoramente sombrio, “Solitude” tem plenitude e força. Sua partitura – a marcha fúnebre do terceiro movimento da Sinfonia nº 1 e o quarto movimento Adagietto da Sinfonia nº 5 – cria um clima teatral, mas, mais importante, funciona como música para dançar. A marcha fúnebre é solene, mas persistente, com momentos alegres de klezmer, enquanto o cintilante Adagietto, embora bonito, é mais angustiante. Isso traz à mente “Kindertotenlieder”, canções de Mahler sobre a morte de crianças.
Rochios, movendo-se com o tipo de inocência e simplicidade que para o tempo, levanta-se do chão e é eventualmente guiado por outros, incluindo uma serena Sara Mearns, vestida de preto transparente, movendo-se com gravidade e uma tranquilidade requintada – uma figura de anjo sombrio? – e uma impressionante Mira Nadon, sua dança, do começo ao fim, deslumbrantemente robusta. À medida que Rochios é levantado no ar, sua pequena forma é vista passando ao fundo: a imagem, sua naturalidade, é comovente.
A iluminação de Mark Stanley é assustadoramente fraca; com os detalhes das pessoas obscurecidos, você sente formas e sombras. Os dançarinos parecem proteger os olhos uns dos outros, como se soubessem coisas que nós não sabemos. São corpos sem nome perdidos e esquecidos pela guerra.
E então o palco se esvazia, abrindo caminho para a peça central de “Solitude”, um solo de Gordon – um lamento, tanto por seu corpo quanto por sua mente. Mudanças sutis de peso e inclinações prolongadas mergulham na linguagem da dança moderna enquanto a cabeça de Gordon se inclina para o lado e seus braços permanecem e se estendem. Mas também há contraste, à medida que Ratmansky extrai significado do movimento: murchando e cedendo, Gordon salta no ar para saltos rápidos que pousam e se transformam em giros tensos e ansiosos.
Apesar de toda a sua presença e poder, Gordon vagueia pelo palco como um fantasma: um herói vazio cujo virtuosismo é o reflexo de uma mente em movimento. Seu corpo está em contínuo estado de suspensão e elasticidade. Ele não consegue ficar em pé, não importa o quanto tente.
Os figurinos e o cenário – ao longo do fundo do palco parece um emaranhado de pedras e arame, como uma fortificação militar – são de Moritz Junge. Quando a luz surge repentinamente no céu escuro, parece, a princípio, o amanhecer de um novo dia. Mas quando Rochios volta ao chão, aquele flash de luz não é uma explosão de esperança, é uma bomba explodindo. O balé termina como começou: um homem ajoelhado ao lado do corpo de um menino.
Antes de se tornar artista residente do City Ballet, Ratmansky coreografou seis balés para a companhia – imaginativos e vívidos, cada um baseado no seguinte. “Solitude”, um balé que merece muitas visitas repetidas, aproveitou esse impulso. Mas não estava sozinho no programa.
“Solitude” foi encerrado por “Opus 19/The Dreamer” (1979), de Jerome Robbins, apresentando outra parte substancial para um protagonista masculino (originalmente Mikhail Baryshnikov), interpretado aqui por Taylor Stanley com uma espécie de vulnerabilidade arquitetônica e graça ; e a poderosa “Sinfonia em Três Movimentos” de George Balanchine. Em “Opus 19”, Unity Phelan resplandeceu com um mistério inconsciente, e “Symphony” contou com estreias dinâmicas de David Gabriel – elegante, expansivo e pronto, espero, para subir na hierarquia – e uma charmosa e descontraída Isabella LaFreniere, brincalhona no topo. com pernas de aço abaixo.
Dos dois balés, o mais importante é “Sinfonia em Três Movimentos” (1972) – tanto no geral como neste contexto: é também um balé de guerra, embora seja frio, mais austero e bombástico. Com música principalmente propulsora e motriz de Stravinsky – que conversou com Balanchine sobre o uso da partitura quando Balanchine o visitou em Hollywood durante a Segunda Guerra Mundial – o balé é magnífico, avançando a uma velocidade emocionante. Começa com 16 mulheres, todas de uniforme branco – lindas e assustadoras – posicionadas em linha diagonal como se estivessem prontas para a batalha.
Neste programa arrojado, o City Ballet apresenta duas formas de encarar a guerra. A de Balanchine é explosiva e, às vezes, vitoriosa; A de Ratmansky é interminável e angustiante. Mas esta semana na dança também foi marcante por outra coisa: o solo masculino. Ou seja, um determinado tipo de solo masculino: discreto, tão arejado quanto poderoso.
Tanto em “Solitude” de Ratmansky quanto em “Brel”, um novo trabalho de Twyla Tharp atualmente no Joyce Theatre, os solos são importantes, cada um brilhando de maneira individual. O que eles têm em comum é a sofisticação e a profundidade. Eles mostram o que pode ser feito com os passos do balé, deixando para trás qualquer pomposidade. Este não é o tipo de dança que você interrompe com aplausos. Você os deixa fluir.
Balé da cidade de Nova York
Até 3 de março no David H. Koch Theatre, nycballet.com
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