A música de Mendelssohn para “Sonho de uma noite de verão” é repleta de trovões doces e outros ruídos maravilhosos. Um efeito sonoro de desenho animado para pular não está entre eles. No entanto, quando o American Ballet Theatre apresentou o balé “The Dream”, de Frederick Ashton, no último sábado, toda vez que o Puck de Jake Roxander subia ao ar, eu poderia jurar que ouvi um: “boing!”
Roxander é um membro do corpo de balé que ganhou destaque durante a temporada de verão do Ballet’s Theatre, e sua estreia como Puck foi o destaque mais emocionante dos dois programas finais da temporada de outono da companhia no David H. Koch Theatre.
Os saltos de arco de Roxander tinham definição semelhante a uma flecha. Suas curvas foram ciclônicas, mas controladas. Relembrando a ostentação de Puck na peça de Shakespeare, ele parecia realmente capaz de circundar a Terra em 40 minutos. Na verdade, seu desempenho foi mais infantil do que travesso. Mas o que é emocionante em Roxander é a técnica aliada à ansiedade. O cara vai em frente. O papel de Puck, que pertence a Herman Cornejo há 20 anos, agora é dele.
A ascensão vertiginosa de Roxander é um sinal de esperança para o futuro do Ballet Theatre. Não que a primeira temporada da companhia em Nova York, programada por Susan Jaffe, sua nova diretora artística, parecesse uma virada de página voltada para o futuro. Parecia mais um balanço: performances sólidas em materiais de qualidade, um pouco sóbrios, mas não sem brilho.
Enquanto “The Dream”, um marco do Ballet Theatre nas últimas décadas, é uma vitrine confiável para a teatralidade da companhia, “Ballet Imperial”, de George Balanchine, no mesmo programa, é bom para exibir os talentos clássicos da trupe em todas as suas fileiras. Ao contrário do New York City Ballet, que chama a obra de “Concerto para Piano N.º 2 de Tschaikovsky” desde a década de 1970, o Ballet Theatre não minimiza as associações imperiais russas, tendo como pano de fundo São Petersburgo. Essa é uma escolha que pode incomodar alguns espectadores, mas a versão do Ballet Theatre também teve problemas estéticos. Buscou a grandeza ao preço do impulso, sufocando uma das grandes engenhocas de Balanchine para aumentar a excitação.
Enquanto Skylar Brandt, como segunda bailarina, estava limpa e impetuosa, Isabella Boylston navegou pelo notoriamente desgastante papel de primeira bailarina com pouca dificuldade, mas também com pouca sensação de risco. Seu pas de deux com o galante James Whiteside teve um sentimento fraterno, as trágicas cores do “Lago dos Cisnes” um tanto fracas.
Esse programa de clássicos do século XX foi seguido pela combinação do século XXI de “Single Eye” (2022) de Alonzo King e “On the Dnipro” (2009) de Alexei Ratmansky. “Single Eye” é inteligente, complexo e aceitavelmente inescrutável. A coreografia se curva em lugares incomuns e as mulheres empurram os homens com uma frequência incomum. A obra tem uma calma agitada e um brilho espiritual, graças em parte a uma partitura do pianista de jazz Jason Moran que desafia o ouvido, mas não muito; telas de papel de Robert Rosenwasser; e iluminação sutil de Jim French.
Não é um trabalho em que o elenco tenha muita importância. Mas nas duas apresentações que vi, Brandt e Calvin Royal III realçaram especialmente bem sua beleza. Os membros do corpo, a quem King dá suas coisas mais densas e ocupadas, às vezes ficavam confusos, mas também rompiam a calma, como quando Michael de la Nuez, fazendo piruetas à la seconde, balançou a perna livre não apenas girando e girando, mas também para cima e para baixo. De la Nuez também vai em frente.
O retorno mais significativo foi “Dnipro”, a primeira obra que Ratmansky fez para o Ballet Theatre como artista residente. Naquela época, chamava-se “No Dnieper”, e a mudança para a grafia ucraniana do rio pode ser interpretada como parte da recente aceitação da identidade ucraniana por Ratmansky, em estado de choque de guerra. O “Dnipro” em si não é político, mas a sua história de um soldado que regressa a casa depois da guerra assume novas ressonâncias no contexto actual.
O cenário de Simon Pastukh ainda encanta: uma lua enorme, cerejeiras móveis cujas flores espalham-se pelo chão e são estimuladas pela dança. Embora a partitura de Prokofiev, pesada e desgastante, sobrecarregue as amplas habilidades de Ratmansky como contador de histórias e lhe negue leveza, o balé é absorvente na forma como o drama central – o soldado imediatamente se envolve com uma mulher prometida a outra pessoa – é situado no espaço público. de uma aldeia. E é típico de Ratmansky que não existam mocinhos ou bandidos, apenas motivos e emoções confusas.
(“Depuis le Jour”, um dueto de gala de Gemma Bond adicionado desnecessariamente ao programa, serviu principalmente como um contraste com o sombreado de Ratmansky. Com uma ária de Charpentier, bem cantada por Maria Brea, era tudo romântico de uma nota só. bênção.)
“Dnipro” é afetado pelo elenco. Em um dos dois elencos que vi, Thomas Forster como o soldado era infantil e suavemente lírico, uma boa combinação para a força vital inocente de Catherine Hurlin como seu novo amor, Olga, e o atencioso SunMi Park como seu antigo amor, Natalia. De la Nuez, como noivo de Olga, tinha a técnica para lidar com seu solo não aguento mais, mas sua atuação foi vazia.
O outro elenco era mais velho, mais intenso e com um tom mais ambíguo. Cory Stearns era um soldado mais arrojado, mais despreocupado com a dor que não pretendia causar. Christine Shevchenko, como Olga, era mais paqueradora, e Devon Teuscher deu a Natalia uma grandeza trágica o tempo todo. O mais notável foi Whiteside como noivo de Olga, escondendo seu charme de protagonista em um idiota que não merece seu destino inesperado.
As novas ressonâncias e novas pungências do “Dnipro” não decorrem apenas da guerra na Ucrânia. No final, a abnegada Natalia manda o soldado e Olga para um futuro em outro lugar. Ratmansky também mudou para uma nova casa no City Ballet. O que o Ballet Theatre fará sem ele?
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