Se você já fez uma pesquisa de história da arte na faculdade, talvez se lembre da confusão do Fauvismo. No desfile de imagens projetadas, foi o flash chocante de cor pura que passou rapidamente enquanto o curso seguia rumo aos rigores mais exigentes e às vidas úteis mais longas de “Les Demoiselles d’Avignon” de Picasso e do cubismo.
O fauvismo, que durou cerca de 1904 a 1908, é o primeiro e provavelmente o mais curto dos movimentos artísticos do modernismo. É também um dos mais confusos, povoado por um elenco mutável de pintores e locais. Falta-lhe um manifesto ou declaração de objectivos, ou mesmo muita coerência estilística, e a sua construção tortuosa pode ter sido mais longa do que a própria tendência.
Mas, em pelo menos dois aspectos, a realização de “les Fauves”, ou “as feras selvagens”, um termo cunhado pelo crítico francês Louis Vauxcelles – é fundamental para a pintura modernista. Libertou a cor da mera descrição da realidade – por exemplo, o verde já não era igual à relva – abrindo caminho para cores vivas que tinham vida própria na tela. Os Fauves também libertaram os artistas de sistemas repetitivos de manipulação de tinta – os pontos, traços e pinceladas regulares dos seus antecessores pós-impressionistas, incluindo Seurat, Cézanne e até Van Gogh.
Com a exposição “Vertigem da Cor: Matisse, Derain e a Origem do Fauvismo”, o Metropolitan Museum of Art vai direto ao ponto, estreitando o campo para os dois líderes do Fauvismo, Henri Matisse e André Derain, e abstendo-se da extensa lista de exposições anteriores. Exposições fauve em Nova York. (O último tratamento do assunto no Met, “The Fauve Landscape” de 1990-91, incluiu 125 obras de 11 artistas.) “Vertigo of Color” destaca aquele que é talvez o momento mais importante das origens do Fauvismo: quando a sua natureza radical — cores vivas e superfícies aparentemente grosseiras, movendo-se em direção à abstração – chegaram à vista do público e receberam seu nome no Salon d’Automne de 1905, causando um dos escândalos artísticos mais memoráveis do século XX.
Este pequeno arco da história da arte começou apenas alguns meses antes, no final de junho de 1905, quando Matisse, um dos maiores talentos da França, convidou o seu colega mais jovem, Derain, para se juntar a ele em Collioure, no sul de França. Matisse estava a passar o verão com a mulher e os dois filhos e tinha a certeza de que o sol que brilhava nesta pequena aldeia piscatória, a paisagem circundante e o Mar Mediterrâneo os exporiam a sensações e percepções necessárias para resolver problemas que os atormentavam, a eles e a outros artistas, há vários anos. . O principal problema era a luz: a luz na natureza foi substituída pela luz inerente às cores artificiais intensificadas da tinta, que os artistas passaram a compreender no brilho aparentemente sem sombras de Collioure.
No outono, quando Derain e depois Matisse deixaram Collioure e foram para Paris, já haviam produzido mais de 200 pinturas, estudos a óleo, pastéis, aquarelas e desenhos.
No centro deste projeto, para o bem e para o mal, estava a pintura como um objeto autônomo – e, em última análise, abstrato. Foi identificado com tantas palavras pelo pintor e crítico Maurice Denis em 1890, quando escreveu que “um quadro – antes de ser um cavalo de guerra, um nu ou algum tipo de anedota – é essencialmente uma superfície plana coberta de cores reunidos em uma determinada ordem.”
Quando as pinturas de Matisse e Derain – juntamente com o trabalho de talentos relacionados, como Maurice de Vlaminck, antigo colaborador de Derain – foram expostas no Salon d’Automne do Grand Palais, o público e não poucos artistas ficaram indignados com a barbárie das obras fauvistas. Não ajudou o fato de Vauxcelles, o crítico, ter usado a palavra “fauves” em sua crítica. Embora não se destinasse necessariamente a descrever os artistas, o nome pegou. Outros artistas vincularam-se à tendência; alguns, como Georges Braque, foram inspirados a fazê-lo pela primeira vez.
Esta exposição radiante foi organizada pelo Met e pelo Museu de Belas Artes de Houston, e supervisionada no Met por Dita Amory, curadora responsável pela Coleção Robert Lehman, e em Houston por Ann Dumas, curadora consultora de Arte Europeia. O objetivo é fixar o fauvismo, Matisse e Derain com mais firmeza na mente, assim como Picasso e Braque estão permanentemente afiliados um ao outro e ao cubismo. Pode ser visto, com ceticismo, como um esforço de branding, mas também esclarece a importância do Fauvismo, concentrando-se no seu surto de crescimento decisivo, em Collioure.
“Vertigo of Color” tem problemas: o principal deles é que Derain, a figura menos conhecida, muitas vezes recebe pouca atenção. Os artistas são bastante iguais nas pinturas (18 Derains a 22 Matisses). Mas a discrepância nos trabalhos em papel (dois Derains para 18 Matisses) confunde as coisas – especialmente porque os Matisses incluem várias aquarelas silenciosamente impressionantes.
Também pode ser que a mostra, no nível inferior da Ala Lehman, merecesse mais espaço do que as quatro galerias em forma de corredor que circundam o pátio interno. Parece um pouco instável ou instável em algumas partes. Parte disso vem do fato de Matisse e Derain estarem experimentando diferentes formas de aplicar tinta. Há um ritmo de aproximação-evitação. Derain, por exemplo, volta a um retrato surpreendentemente convencional da esposa de Matisse, Amélie – que posava regularmente para ambos os pintores – como se não quisesse ser demasiado inovador ao retratar a esposa do seu mentor.
As galerias dedicadas a cada artista são ótimas, mas deixam um gostinho de quero mais. Uma das emoções da seção Derain é vê-lo descobrir outro transportador de luz: a tela nua, que acrescenta um brilho essencial.
Sem tela branca ou nua, as pinturas de Derain podem ficar um pouco claustrofóbicas. À medida que fendas e manchas brancas começam a aparecer, as pinturas ganham vida. O uso da tela nua é plenamente realizado em “Montanhas em Collioure”, uma de suas pinturas mais conhecidas, onde o equilíbrio das formas das árvores, folhas e colinas é calibrado com tanto cuidado que a composição pode inicialmente deslumbrar e depois se tornar previsível. não muito diferente de uma colcha de apliques. Perto dali, “Environs of Collioure”, uma mistura visivelmente “mais selvagem” de cores elétricas e cintilações de tela nua, é um dos melhores Derains aqui.
As obras da seção de Matisse nunca perdem o equilíbrio. Ele parece à vontade com o espaço em torno de todos os tipos de pontos, até mesmo os pontilhistas no estudo a óleo de 1904 para “Luxe, Calm et Volupté” emprestado pelo Museu de Arte Moderna (a obra finalizada, no Musée d’Orsay, aperta e tem menos sucesso). Ao lado está um estudo em aquarela para “A Alegria da Vida”, uma cena brilhante que define seu bosque em uma série de pinceladas amplamente espaçadas de amarelo e marrom claro. Um estudo sobre o petróleo para “Joy” é igualmente bom – e despovoado.
Há clássicos fauvistas aqui, como “Janela aberta, Collioure”, uma pintura tão amada e reproduzida que se tornou enjoativa. Mas também há surpresas, como quatro pequenas e deliciosas paisagens costeiras de 1906.
Nas seções restantes do show, Derain praticamente desaparece. Seu cauteloso retrato da Sra. Matisse é seguido por diversas representações da esposa feitas pelo marido – aquarelas e pinturas maravilhosamente esboçadas nas quais, perturbadoramente, ela às vezes se perde nos padrões circundantes de flora ou poças de maré. Mas Derain retorna com um forte desenho a tinta que retrata Matisse desenhando sua esposa em uma costa rochosa. Na seção de retratos, Derain é, novamente, escasso, mas contribui com um retrato surpreendente de seu mentor – seu rosto pintado de uma forma que lembra um dos vídeos de palhaço de Bruce Nauman.
O fauvismo começou a desaparecer em 1907, ano das “Demoiselles” de Picasso. A última visão de Derain, que nunca mais voltou a Collioure, é “O Palácio de Westminster”, 1906-1907, uma de suas vistas magistrais de Londres do lado do Tâmisa. Mas logo ele inverteu completamente o curso, para tons marrons em naturezas-mortas cheias de apartes de Matisse, do cubismo e dos antigos mestres – e que merecem sua própria exposição. (Considere dois exemplos maravilhosos e pouco vistos em Nova York: “The Table” do Met, de 1911, e “Window at Vers”, do MoMA, de 1912.)
O fauvismo se tornaria a base do trabalho da vida de Matisse. Vemos isso ganhando autoridade em seu “View of Collioure”, de 1907, um dos maiores trabalhos de Matisse do Met, geralmente confinado às galerias da Coleção Gelman. Nele, folhas gigantes planas de um verde profundo levitam em torno de troncos pretos e sinuosos contra um céu lilás. Matisse regressou a Collioure todos os verões até 1914, sugerindo uma espécie de peregrinação. Ele estava plenamente consciente do que ele e Derain haviam feito ali. “A pintura fauve não é tudo”, disse ele, “mas é a base de tudo”.
Vertigem da cor: Matisse, Derain e as origens do fauvismo
Até 21 de janeiro de 2024, no Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, Manhattan, 212-535-7710; metmuseum.org.
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