Dois anos de teatro pós-paralisação trouxeram aos palcos de Nova York uma série de artistas solo lutando com temas como luto, morte e o apocalipse – e essas são apenas as comédias. Os shows individuais são baratos de produzir e são empreendimentos relativamente de baixo impacto para uma indústria ainda em terreno instável.
Não houve escassez neste outono, e agora quatro shows solo exibidos na Off Broadway demonstram uma série de abordagens à forma, provando, pelo menos nesta rodada, que revelar seus pensamentos e medos íntimos compensa. “A Good Day to Me Not to You”, no Connelly Theatre, no East Village, e “Sad Boys in Harpy Land”, no Playwrights Horizons, em Midtown Manhattan, optam pela vulnerabilidade total, dissecando a psique como se fosse o palco. eram uma mesa de operação. “School Pictures” e “Amusements”, também na Playwrights Horizons, seguem o caminho oposto, com artistas que se mantêm distantes para direcionar a atenção para outro lugar, mas com dispositivos que podem distrair e ser evasivos.
A narradora de meia-idade de “A Good Day to Me Not to You” divulga detalhes íntimos desde o início: Ela está cuidando de um caso surpresa de verrugas genitais, ela diz ao público, que está adormecido há uma década desde a última vez que ela fez sexo .
Neste confessionário ironicamente sincero, apresentado por Waterwell, o escritor e performer Lameece Issaq interpreta uma nova-iorquina com um senso de humor mordaz que está enfrentando uma crise: ela foi forçada a abandonar a escola de ortodontia por causa de crises de vertigem, e então ela foi demitido de um laboratório dentário por lixar imperfeições nos moldes de gesso dos pacientes. Agora ela está cuidando do HPV e se mudando para uma pensão de um convento que leva o nome de Santa Inês, a padroeira das virgens e dos sobreviventes de abuso sexual. (O santuário desgastado criado por Peiyi Wong muda de local sob a iluminação dinâmica de Mextly Couzin.)
Dirigido com graciosa sensibilidade por Lee Sunday Evans, diretor artístico de Waterwell, a atuação de Issaq é ao mesmo tempo terna e franca, alternando com facilidade entre dirigir-se diretamente ao público como narrador e dar voz a personagens sucintamente esboçados (os dentes de todos contam uma história). Impulsionada por seu impulso maternal, primeiro em direção ao sobrinho e depois a um filho em potencial, a narradora é traída por aquilo que não consegue controlar, mas sempre retorna, por algum caminho elíptico, ao cuidado que deve a si mesma.
Em “Sad Boys in Harpy Land”, um colapso mental emocionante e frenético de um show, Alexandra Tatarsky, que usa os pronomes eles e eles, participa de um seminário de pós-graduação sobre personagens literários alemães, como drags de jardim de infância (o cenário, o figurino e os adereços especialmente inventivos). o design é de Andreea Mincic). Autodenominados “palhaços ansiosos”, eles interrompem tão frequentemente seu próprio ato com interrogatórios reflexivos que as interrupções se tornam o ponto principal. Com olhos vibrantes, Tatarsky bebe em xícaras de café em proliferação, e eles parecem presos em um esforço discursivo para atingir a maioridade, criar algo novo e enfrentar sua pulsão de morte. (Sem pressão.)
Tatarsky continua voltando para Wilhelm Meister, de Goethe, um menino rico que trabalha duro em seu quarto, lutando para escrever uma peça sobre auto-aversão e inação. Ocasionalmente, a loucura de Tatarsky é expressa em melodias perturbadas (a composição sonora é de Shane Riley). Como alguém pode criar arte que torne sua identidade legível? E por que ser legível?
Dirigido com uma invenção revigorante de Iris McCloughan, “Sad Boys” tem o efeito delirante de levar você à comunhão com um artista vivo, mesmo que seja difícil dizer se eles estão rindo, chorando ou ambos. O argumento cumulativo de Tatarsky parece ser que, tal como a personagem do Judeu Errante, que ela interpreta com uma barba grisalha que se arrasta pelo chão, a identidade existe em processo e não como um conjunto fixo de significantes.
Os primeiros nomes rabiscados em pedaços de cartolina colorida formam um set list para “School Pictures”, uma colagem quase toda cantada, escrita e interpretada por Milo Cramer, de impressões coletadas ao dar aulas particulares a alunos da cidade de Nova York. Cramer, que usa os pronomes eles e eles, pretende reunir breves retratos da juventude privilegiada: a sua clareza ingénua, a sua insegurança turbulenta e o seu mandato para se destacarem num sistema manipulado a seu favor. (Cramer observa no roteiro que os assuntos aqui são ficcionalizados.)
Esses retratos de alunos do ensino médio cujos pais podiam pagar as mensalidades são apresentados, sob a direção de Morgan Green, com o equivalente sonoro de um giz de cera bruto: um ukulele e um canto falado atonal. Twee? Sim. E é irritante quando fica claro que este será o modo de expressão sustentado de Cramer durante a maior parte dos 60 minutos do show. Pronunciar sílabas e notas caóticas marcantes invoca um espírito jovem, mas torna uma tarefa difícil traçar a intenção artística nas letras. Uma palestra sobre a desigualdade sistêmica no sistema educacional da cidade é um recesso bem-vindo e, finalmente, permite que Cramer chegue ao nível do público adulto.
Há uma qualidade infantil na persona assumida por Ikechukwu Ufomadu em “Amusements”, apesar do smoking com gola xale e do comportamento de cavalheiro do escritor e intérprete. O humor neste set stand-up é, como o título sugere, arejado e suave quase ao extremo. No abismo entre o exterior erudito de Ufomadu e o afeto simplório surge uma brisa constante de piadas inofensivas (“Feliz sexta-feira a todos que comemoram!” “Quantos de vocês são ex-alunos da escola?”). A proporção resultante de revirar os olhos e rir será uma questão de gosto.
Conforme indicado aqui por Nemuna Ceesay, Ufomadu tem a sensibilidade graciosa e charmosa de um elegante Sr. Rogers, ainda mais quando ele se aventura na plateia para perguntar se alguém precisa de um voluntário e então oferece seus serviços. Ufomadu é suave, mas também hesitante e grosseiro; seu conjunto flutua em uma corrente de humildade atraente.
É uma atuação, claro; pode ser impossível saber o quanto os artistas revelam sobre sua verdadeira natureza no palco. Em sua forma mais profunda, o tipo de literalismo de Ufomadu indica até que ponto todos nós estamos em um terreno comum. Onde estaríamos sem roupas ou sapatos? Em casa, provavelmente, não temos coragem suficiente para nos mostrarmos nus.
Um bom dia para mim, não para você
Até 16 de dezembro no Connelly Theatre, Manhattan; waterwell.org.
Meninos Tristes na Terra da Harpia; Fotos Escolares; e diversões
Durante todo o dia 3 de dezembro no Playwrights Horizons, Manhattan; playwrightshorizons.org.
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