Arte misteriosa para a era pós-verdade

NO VERÃO PASSADO, um homem nu foi suspenso na parede da Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois em Paris, com os braços abertos como uma águia, parecendo algo entre uma pessoa crucificada e um cadáver. Os espectadores não puderam deixar de estremecer. Um casal horrorizado pareceu virar a cabeça. Mas, tal como o corpo pendurado, também eles eram esculturas nuas – sem vida, mas estranhamente realistas.

A obra fazia parte de “Grace”, uma exposição do escultor americano John DeAndrea, que aos 81 anos vem fazendo doppelgängers humanos como esses em um estúdio perto das Montanhas Rochosas há quase seis décadas. Seu processo de meses envolve primeiro colocar modelos vivos em moldes de borracha de silicone, que são curados e depois construídos com camadas de gesso. Este molde negativo é então preenchido com gesso fortificado, que é curado, aperfeiçoado e eventualmente remodelado em bronze. Por fim, DeAndrea aplica meticulosamente camadas de tintas a óleo opacas e transparentes na pele e nos olhos e adiciona cabelo até que tudo pareça assustadoramente autêntico.

Os críticos de arte criaram vários termos para trabalhos como o de DeAndrea, incluindo hiperrealismo, embora DeAndrea tenha dito que não se considera um artista. Talvez um nome melhor para isso venha de Sigmund Freud. Em resposta a um ensaio de 1906 do psiquiatra alemão Ernst Jentsch, que escreveu sobre o desconforto que surge quando o espectador “duvida se um ser aparentemente animado está realmente vivo; ou, inversamente, se um objeto sem vida não pode ser de fato animado”, Freud expandiu o conceito de estranho. É o lugar onde a arte e a vida convergem e se confundem brevemente, de uma forma confusa e desconfortável.

Por que fazer os artistas continuam retornando ao estranho, que Freud colocou “naquela classe do assustador que leva de volta ao que é conhecido, antigo e há muito familiar”? O hiperreal parece representar um estado de incerteza muito moderno: o que é isso? coisa? Como pode parecer reconhecível e estranho ao mesmo tempo? É uma estética que tende a retornar em momentos particularmente instáveis ​​da história. Freud escreveu sobre o estranho em 1919, meses após o fim da Primeira Guerra Mundial, que deixou milhões de mortos e a Europa em ruínas. DeAndrea – que diz que seu trabalho “não é sombrio” para ele – em meados da década de 1960 começou a experimentar técnicas de elenco que lhe permitiriam representar com precisão o corpo humano, embora provavelmente estivesse menos preocupado com a Guerra do Vietnã do que com o narcisismo. do que o autor Tom Wolfe mais tarde descreveria como a Geração Eu. Outros hiperrealistas, principalmente Duane Hanson, contemporâneo de DeAndrea, eram mais abertamente políticos. Hanson não se esquivou da guerra do Vietnã ou do racismo americano – sua “Cena do Vietnã” de 1969 retrata soldados americanos mortos e feridos caídos no chão – embora ele seja mais lembrado por suas esculturas de turistas no sul do país, em fibra de vidro e resina de poliéster. Flórida.

Cada década subsequente obteve a escultura hiperrealista que merece. Neste momento, vivemos num momento definido por uma erosão da confiança no que é e no que não é real – sejam as alegações de fraude eleitoral de um ex-presidente ou a proliferação de deepfakes e software de inteligência artificial. O vale misterioso se transformou de um tropo de filme de terror – em filmes de “Alien” (1979) de Ridley Scott a “The Thing” (1982) de John Carpenter e ao perturbador robô humano em “M3gan” (2023) – em uma preocupação mais cotidiana , enquanto Elon Musk e Jeff Bezos propõem uma frota de robôs humanóides para resolver a escassez de mão de obra nos EUA. É possível que a arte hiperrealista nunca tenha parecido tão atual ou tão assustadora como hoje, e os avanços na tecnologia também tornaram o estilo mais real do que nunca.

COM O TEMPO, O HIPERREALISMO incorporou elementos de extremo exagero, que apenas pareciam aumentar o choque do estranho. Esse efeito é palpável, por exemplo, na gigantesca criança feita de fibra de vidro do artista australiano Ron Mueck, “Boy” (1999): Instalada no museu ARoS em Aarhus, Dinamarca, a criança tem quase 4,5 metros de altura, mesmo agachada em um posição quase fetal, e todos os seus detalhes são reproduzidos com precisão excruciante.

O artista italiano Maurizio Cattelan, mestre do desconforto, contribui para a tradição hiperrealista há mais de 20 anos. Seu engraçado e perturbador “La Nona Ora” (1999) mostra o Papa João Paulo II em seus trajes papais, contorcendo-se de dor no chão após ser atingido por um pequeno meteoro. O papa mantém uma dignidade estranha, ainda segurando um bastão com um crucifixo, como se isso pudesse ajudá-lo neste encontro. Dois anos depois, Cattelan fez “Ele”, uma escultura terrivelmente realista de Adolf Hitler, ajoelhado como um coroinha, com as mãos entrelaçadas como se estivesse rezando. Tal como na obra que centra o papa, é o absurdo do contraste – entre o mal e a inocência – que é tão eficaz e obsceno. “É uma farsa até prova em contrário”, explicou Cattelan sobre suas instalações desta natureza.

Muitas obras de hiperrealismo recorrem a antigas tradições de mimese, entre elas modelos anatômicos de cera baseados em carcaças reais, técnica que data do século XVIII. Ultimamente, porém, as novas tecnologias tornaram o hiperrealismo mais fácil de ser alcançado pelos humanos, ao mesmo tempo que complicam a prática. A artista visual australiana Patricia Piccinini, 57 anos, tem feito quimeras antropomórficas de silicone, fibra de vidro, couro e cabelo humano nas últimas duas décadas: uma criatura suína grotesca, com a ninhada amamentando nas tetas (“The Young Family” de 2002); um homem parecido com um urso que poderia se passar por um Pé Grande raspado (“The Carrier” de 2012). Recentemente, no entanto, ela teve um encontro desconcertante quando se deparou com imagens online de obras de arte que pareciam ser atribuídas a ela. “Tinha meu nome, mas não era eu”, disse o artista. Foi o produto de um gerador de arte de IA – que usava aprendizado de máquina aleatório para imitar suas reimaginações. “O que vi parecia ter sido feito por alguém que só tinha ouvido falar do meu trabalho por alguém que não o entendia”, disse ela.

É um desenvolvimento preocupante para qualquer artista, mas também tornou o hiperrealismo da engenharia humana ainda mais relevante – nós contra as máquinas. Em 2011, o escultor austríaco Erwin Wurm, 69 anos, modificou uma van Mercedes-Benz MB100D vermelha para que sua metade traseira se curvasse para cima na lateral de uma parede. Quando foi instalado quatro anos depois, fora do Centro de Arte e Mídia em Karlsruhe, Alemanha, um guarda de trânsito aplicou-lhe uma multa de estacionamento. Wurm diz que vivemos numa época em que nossos cérebros estão constantemente tentando entender o que vemos. “É a natureza ou está copiando a natureza?” ele perguntou. “Você pensa que é a natureza, mas então percebe: ‘Espere um momento, não é. É outra coisa. ”

Com sua série de “Esculturas de Um Minuto”, iniciada em 1988, Wurm levou o hiperrealismo ao seu extremo inevitável: ele transformou pessoas reais em esculturas bizarras e improváveis. Ele orienta estranhos a participarem de cenas aparentemente impossíveis – nas quais materiais de escritório se projetam para fora dos orifícios ou uma testa é presa a uma torre inclinada de laranjas – instruindo-os a posar por 60 segundos ou menos enquanto ele os fotografa.

“A realidade é totalmente insana, temos que competir com ela”, disse Wurm. Em última análise, é por isso que essa arte é importante: ao nos tirar da nossa perspectiva habitual, faz-nos questionar o que podemos estar a ignorar todos os dias. “Vejo o mundo tomando uma direção estranha”, acrescentou Wurm, “e estou com medo do futuro”.