Seu primeiro encontro na ambiciosa nova exposição do Museu Guggenheim, “Going Dark: A Figura Contemporânea no Limite da Visibilidade”, provavelmente será com quatro figuras imponentes envoltas em roupas volumosas. É difícil ver se alguém (ou alguma coisa) está por baixo dos moletons levemente futuristas. A luz projetada verde-ácido – conhecida como verde croma, usada pelos estúdios de cinema para efeitos de “tela verde” – banha a grande galeria ao lado da rotunda. O resultado é paradoxal – as figuras são tão grandes que deveriam ser imperdíveis, mas com esta iluminação intensa você pode ter dificuldade em distingui-las.
Observe esta instalação, da artista Sandra Mujinga, por bastante tempo, e quando você se vira em direção à rotunda, algo notável acontece: o museu totalmente branco fica totalmente rosa. (O efeito diminui à medida que seus olhos se reajustam.)
O trabalho de Mujinga é uma introdução adequada a um espetáculo que questiona o que significa ser visto e ver uns aos outros, especialmente quando a visão ocorre através de diferenças raciais e outras formas de diferença. O que significa, especialmente para as pessoas de cor, ser hipervisíveis e sujeitas a uma vigilância acrescida, ao mesmo tempo que são apagadas do campo de visão, esquecidas na paisagem social e política? Como olhar uns para os outros através dessas camadas de estereótipos e mal-entendidos distorce nossa percepção do mundo? Se ser visível é uma armadilha, há consolo na quase invisibilidade?
Estas são questões que a curadora da mostra, Ashley James, levanta em “Going Dark”, que apresenta trabalhos de 28 artistas, incluindo três novas encomendas. Entre eles estão Faith Ringgold e Charles White, os ilustres anciãos da exposição; Lorna Simpson e David Hammons, célebres conceitualistas dos anos 80 e 90; e uma trupe de artistas mais jovens, incluindo Tiona Nekkia McClodden, Sondra Perry e Farah Al Qasimi.
É um contraponto convincente à fome aparentemente interminável do mundo da arte por retratos negros de superestrelas como Jordan Casteel, Amy Sherald, Henry Taylor e Kehinde Wiley, que há muito oferecem imagens da subjetividade negra através da figuração. Neste show, a figura muitas vezes quase não aparece.
O ex-diretor do Guggenheim, Richard Armstrong, escreveu em seu prefácio ao catálogo cuidadosamente elaborado que a mostra é “uma manifestação” da “dedicação do museu em envolver públicos novos e diversos”. Esta é a primeira vez que 17 dos 28 artistas – em sua maioria negros e todos de cor – têm trabalhos em exibição lá, incluindo Ringgold, Dawoud Bey e Chris Ofili.
Uma das principais obras de arte da mostra é a pintura “Homem Invisível” (1986), de Kerry James Marshall, inspirada no romance de 1952 de Ralph Ellison. Nesse livro, o personagem principal sem nome vive num estado de obscuridade social – “Sou invisível, entenda, simplesmente porque as pessoas se recusam a me ver”. Marshall traduziu essa ideia em tinta – um leve contorno de um homem nu mal emerge do fundo escuro. É quase, mas não exatamente, monocromático. A imagem é difícil de entender, mas também desconfortável de olhar – os olhos e dentes totalmente brancos da figura, junto com sua pose nua, aproximam-se perigosamente de estereótipos antigos e cruéis.
Dado o foco de longa data do Guggenheim na arte abstrata, o envolvimento da exposição com o monocromático – no trabalho de Ellen Gallagher, Sable Elyse Smith e Ofili, entre outros – constitui uma importante lente de influência racial através da qual se pode considerar a arte modernista. As telas “Black Light” de Ringgold do final dos anos 1960 mostram-na literalmente reduzindo a quantidade de branco em seus pigmentos, resultando em uma paleta de quase pretos. Rejeitando a degradação das pessoas de pele escura na cultura branca, ela criou imagens de homens e mulheres com rostos redondos e olhos arregalados que exigem o mesmo tipo de exame cuidadoso que uma pintura de Ad Reinhardt.
Glenn Ligon e Tomashi Jackson baseiam-se em outros movimentos de meados do século. Em “Figura” de Ligon (2001), 50 fotos de autorretratos serigrafadas em papel de cores vivas entram e saem da legibilidade, criadas por sua técnica inspirada em Andy Warhol; eles perguntam o que acontece quando você adiciona raça à mistura de desejo queer e cultura de celebridade do artista pop. “Day Glow: Backlash” (2022) de Tomashi Jackson consiste em fotos históricas do movimento pelos direitos civis impressas em vinil. Ao ampliar os pontos de seu processo de meio-tom (tons de Robert Rauschenberg) e sobrepor o vinil com pó de mármore, sacos de papel, telas e outros materiais, a artista mexe com a percepção óptica do espectador ao mesmo tempo em que os encoraja a questionar sua relação com a história desses arquivos. as imagens contêm.
Vários objetos da mostra lidam com o papel da fotografia na classificação, colonização e criminalização de pessoas de cor. Grande parte deste trabalho compartilha uma linhagem com a arte de Lorna Simpson das décadas de 1980 e 1990. Em “Time Piece” (1990), Simpson captura quatro imagens quase idênticas de uma mulher que lembram um livro de medicina ou um estudo antropológico. Ela é mostrada apenas de costas, no entanto, permitindo-lhe escapar do olhar do espectador – e, portanto, de qualquer tentativa de categorizá-la.
A série “Block Out the Sun” de Stephanie Syjuco (2019-2022) deriva de seu trabalho nos arquivos fotográficos da Feira Mundial de St. Exumando os registros visuais de uma aldeia simulada onde habitantes filipinos foram expostos durante a exposição, ela refotografa esses documentos, cobrindo o rosto dos sujeitos com as mãos — para protegê-los de nossos olhos.
O borrão oferece um anonimato semelhante aos moradores do Harlem nas fotos noturnas de Ming Smith em sua série “Homem Invisível” (1988-91). Enquanto Smith usa longa exposição para criar seu efeito, Sondra Perry, em seu vídeo loop, “Double Quadruple Etcetera Etcetera I & II” (2013) conta com uma ferramenta do Photoshop que remove elementos indesejados para obscurecer parcialmente os corpos de dois dançarinos. (Uma dançarina, a artista Joiri Minaya, também aparece em “Going Dark”.) Embora haja pouco para realmente ver no vídeo de Perry – flashes de pele morena, cabelos trançados e uma quimera branca mutável – eu te desafio a rasgar os olhos ausente.
John Edmonds superexpõe seu filme para criar impressões solarizadas com superfícies aveludadas nas quais seus temas negros masculinos se refugiam nas sombras. Uma série de imagens mal iluminadas e sombrias do projeto “Underground Railroad” (2017) de Dawoud Bey nos lembra que para os escravizados que voavam para a liberdade, a escuridão era ao mesmo tempo um espaço de perigo e também de proteção.
O moletom, não surpreendentemente, aparece de várias formas. Kevin Beasley o molda em resina em “… não é?” (2014), enquanto Edmonds retrata jovens duplamente obscurecidos – com capuzes levantados e vistos de costas – em suas fotografias em grande escala de 2018. Hammons monta um capuz diretamente na parede com “In the Hood” (1993) e em “Repetindo o Óbvio” (2019), Carrie Mae Weems apresenta as vestimentas em 39 imagens fantasmagóricas de Trayvon Martin, cujo assassinato aos 17 anos resumiu a projeção do medo branco no corpo masculino negro.
E há também “Mixed Blessing”, uma escultura de 2011 da artista Anishinaabe Rebecca Belmore, que usa um moletom com capuz e cabelo sintético para criar uma figura deitada, com suas madeixas se espalhando pelo chão como penas de pássaros. Seus braços estendidos podem ser lidos como um gesto de oração, gratidão ou submissão à punição – uma mistura complicada que expressa simultaneamente orgulho cultural e tristeza pela violência infligida aos povos indígenas.
Para quem tem observado arte contemporânea em outros museus e galerias nos últimos anos, “Going Dark” está repleto – até demais – de rostos familiares. O que senti falta aqui foi o prazer de descobrir novas vozes que muitas vezes vem de uma grande exposição temática.
Felizmente, ainda há surpresas. Entre eles está um desenho a tinta sobre painel de madeira de Charles White (1918-1979), que o curador descobriu no arquivo do artista. Feito na década de 1960, um lado mostra o esboço inacabado de um homem, enquanto o outro é um mar de escuridão do qual emerge provisoriamente uma figura – representada como espaço negativo. “Summhour”, uma obra de 1974 de David Hammons, me fez rir alto: um buquê cafona de margaridas em aquarela e tinta, obscurece um grupo de pênis marrons, uma alusão, talvez, a estereótipos de hipersexualização.
Alerta de spoiler: se você olhar para o óculo do museu, verá uma misteriosa orbe negra pendurada. Ele contém várias câmeras. No meio da rotunda, você terá a opção de ceder seu telefone a um atendente e entrar em um teatro improvisado onde poderá ver as transmissões ao vivo dessas câmeras sobre o que está acontecendo no museu, processadas por meio de um programa de IA usado pelos museus para segurança. propósitos. Observe atentamente e você notará as falhas ocasionais da tecnologia – ela às vezes identifica erroneamente as obras de arte como humanas, presumivelmente porque não consegue distinguir entre a imagem de um corpo em uma obra de arte e uma imagem senciente. (Perfeito, dado o tema do programa.)
Esta instalação site-specific, de American Artist, é bastante brilhante: torna palpável e imediata a hipervisibilidade e vigilância que tantos trabalhos em “Going Dark” abordam. Neste espaço acortinado, somos nós os espectadores, invisíveis para quem está de fora. Entramos novamente na rotunda e a câmera nos vê apenas como uma ameaça potencial. O que você prefere ser?
Going Dark: a figura contemporânea no limite da visibilidade
Até 7 de abril de 2024, no Museu Guggenheim, 1071 Fifth Avenue, Manhattan; (212) 423-3500; guggenheim.org.
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